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Simple kind of life - No Doubt (2000)

El vídeo musical ha sido parte fundamental de mi vida, me guió a desear dedicarme a crear imágenes e inconscientemente me hizo más observador. Cuando tenía unos nueve años llegó a mi vida MTV, por ahí de 1999, época que representa el auge del vídeo musical. Estuve obsesionado con varios, desde Make me bad, de Korn… hasta Baby one more time, de Britney Spears; pasando por Californication, de los Red Hot Chilli Peppers… hasta The real Slim Shady, de Eminem. Después de tantos años solo Simple kind of life, de No Doubt, sigue siendo mi vídeo favorito.

Dirigido por Sophie Muller en el año 2000, Simple kind of life es un deleite visual de principio a fin. El vídeo es la representación de un sueño, el de Gwen Stefani de casarse y formar una familia; un sueño que se vuelve una pesadilla, pero que finalmente la regresa a la realidad. Muller acompañaba a Gwen Stefani cuando escribió la canción y con facilidad pudo interpretar visualmente lo que Gwen, en las letras, expresó.

El vídeo gira en torno a la imagen icónica que es Gwen Stefani, y al color de su cabello. La secuencia donde aparecen miles de pasteles de boda es una escena desgarradora, donde el sueño de casarse se vuelve una obsesión enfermiza, de la que Gwen finalmente se deshace y decide que ser independiente le hará mejor.

Los vídeos son esos ejercicios visuales que, sin duda, me han traído a estudiar lo que hoy más amo, arquitectura. Hoy, sin embargo… no les presto mucha atención, existen demasiadas distracciones y cosas qué hacer, pero siempre estarán ahí para enriquecer mi vida.

    • #no doubt
    • #gwen stefani
    • #simple kind of life
    • #sophie muller
    • #pop
    • #music video
    • #musica
    • #MTV
    • #2000
    • #pop culture
  • 3 hours ago
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Q:Hola! Te interesaría darme algunas opiniones sobre la arquitectura colonial?

alexaboytes

Desafortunadamente es un tema que ignoro, pero si deseas mi más personal punto de vista (como lo que escribo para este blog), la colonia representa destrucción, no solo de la arquitectura preexistente, también de la cultura… Destruyeron la ciudad más hermosa del mundo, Tenochtitlan, para construir otra encima…

Fue algo inevitable, y aunque muchos sintamos hasta impotencia y ganas de regresar en el tiempo para impedirlo, la historia es así… Hoy en día, seguimos destruyendo nuestro patrimonio, y no precisamente arquitectura prehispanica, ¡arquitectura contemporánea! Somos unos neo-coloniales, o algo así… Pero qué te digo, así somos los seres humanos.

Sin embargo la Colonia también nos dejó un importante y HERMOSO patrimonio arquitectónico… No sé a qué te refieres con opiniones, pero por lo que sé, aunque estos edificios se regían por normas y estilos arquitectónicos europeos, la mano de obra era indígena; durante la construcción “escondían” o introducían pequeñas imágenes de su cultura en las columnas y esculturas, por ejemplo… los estilos se “mexicanizaron”.

De alguna manera, se inició el mestizaje ahí, en la arquitectura (supongo). Es un tema que ignoro, lo siento.

  • 1 day ago
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Fast, strong and powerfull - Céline F/W 2011

  1. Campaña fotografiada por Juergen Teller para Céline F/W 2011
  2. Céline F/W 2011 por Phoebe Philo
  3. Modelo sobre un Lincoln Continental Mark IV fotografiada por John Rawlings para Vogue (1959)

Constantemente me veo en la necesidad de justificar mi gusto por la moda y defenderme de aquellos que, simplemente, no lo entienden. Creo que los diseñadores de moda, como los arquitectos, son profesionales que sufren la constante presión de entregar un proyecto a tiempo, en este caso, una colección. El proceso creativo que está sujeto a fechas de entrega, es un proceso intelectual arduo, en el que se sufre un agotamiento no solo físico y mental, también emocional.

La industria de la moda podrá ser una frivolidad, pero la creatividad que imprimen los diseñadores en cada prenda y colección, no lo es. Cuando me dedico a ver una colección, no lo hago por las modelos, ni por la gente sentada en front row, ni siquiera por el diseñador; lo único realmente importante para mí es la “propuesta formal”; observar cómo resuelven los diseñadores el problema que es crear una colección. Igual que un proyecto arquitectónico.

Una de mis colecciones favoritas sigue siendo fall/winter 2011 que Phoebe Philo realizó para Céline. Una muestra de minimalismo que se permitió explorar nuevas formas, texturas y colores, a diferencia del minimalismo estricto y rígido de otros diseñadores, como Jil Sander. Amo la forma que Phoebe Philo convierte un simple pantalón o una blusa en un objeto de deseo. Tal vez no decore sus prendas con el fin de permanecer minimalista, pero siempre busca la forma de hacer la prenda visualmente atractiva y “vendible”, introduciendo distintas composiciones formales.

En el diseño, el concepto o inspiración es importante, lo justifica y lo mejora sustancialmente. Phoebe Philo se inspiró en el automóvil para concebir esta colección; se imaginó cómo sería arrancarle las tapicerías para crear las prendas e incluso las confeccionó como si fueran los asientos de un auto.

The way a car is designed, I found it very seductive, very sensual… they’re fast, strong and powerfull.

(Durante la presentación las modelos caminaban rápido, también emulando un auto).

La arquitectura y la moda no son cosas tan distintas después de todo, ¿no?

    • #celine
    • #phoebe philo
    • #fashion
    • #moda
    • #minimalismo
    • #minimalism
    • #car
    • #diseño
    • #arquitectura
    • #céline
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  • 1 week ago
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Catálogo de arquitectura mexicana - Plaza del Palacio de Bellas Artes

Una de las cosas que amo de México es su diversidad y riqueza arquitectónica. Si bien la arquitectura mexicana ha sido marcada por estilos y corrientes internacionales, existe una tradición que ha definido la manera de proyectar edificios desde tiempos prehispánicos; a la arquitectura mexicana lo que la define es la forma, monumental de preferencia.

En todo el territorio mexicano encontramos espléndidos ejemplos de edificaciones prehispánicas, coloniales, contemporáneas… pero hay un punto en la Ciudad de México que concentra a su alrededor un variado “catálogo” de arquitectura mexicana, la plaza del Palacio de Bellas Artes… que resulta ser mi lugar favorito en toda la ciudad.

Si uno se para en la plaza y da un vistazo de 360° verá un número importante de estilos y corrientes que han marcado la historia de la arquitectura en México. Empezando por el Palacio de Bellas Artes y el Palacio de Correos, dos hermosas obras del Porfiriato, eclécticas y diseñadas por el mismo arquitecto, Adamo Boari. Dando el vistazo, encontramos edificios de estilo:

  • Barroco (Templo de Corpus Christi, Parroquia de la Santa Veracruz, Parroquia de San Miguel) 
  • Neoclásico (Banco de México)
  • Neorrománico (Templo de San Felipe de Jesús)
  • Art nouveau (Palacio de Bellas Artes)
  • Art decó (Edificio La Nacional, Edificio Guardiola, Monumento a la Revolución)
  • Edificios coloniales (Centro Histórico)
  • Edificios modernos (Torre Latinoamericana)
  • Edificios contemporáneos (Conjunto Juárez, Torre Caballito, Torre Prisma, Torre PEMEX, Teatro Hidalgo)
  • Arquitectura del paisaje (Alameda Central) y monumentos.

Para rematar, no hay que olvidar que el centro de la Ciudad de México se levanta sobre lo que fue la ciudad capital del imperio Mexica, México-Tenochtitlan. El terreno que ocupa el Palacio constituía un asentamiento habitacional que durante la conquista fue demolido para construir un convento, destruido en el Porfiriato para construir el Teatro Nacional. Podríamos estar hablando de más de 500 años de arquitectura mexicana concentrada sobre y alrededor de un solo punto.

Como Tom de 500 days of Summer, y como todo tiene que ver con el amor, yo sólo espero algún día enseñarle mi lugar favorito a alguien más.

    • #arquitectura
    • #arquitectura mexicana
    • #architecture
    • #bellas artes
    • #palacio de bellas artes
    • #adamo boari
    • #porfirio diaz
    • #porfiriato
    • #art nouveau
    • #méxico
    • #mexico city
    • #df
    • #méxico df
    • #ciudad de méxico
  • 2 weeks ago
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BKF Chair - Antonio Bonet, Juan Kurchan y Jorge Ferrari-Hardoy (1938)

  1. Rita Gam en la publicidad de Lucky Strike (1955)
  2. Sophia Loren en Cannes, Francia (1955)
  3. Marcel Breuer para la revista LIFE (1948)
  4. Lili St. Cyr sobre el armazón de la silla (1955)

También conocida como “silla mariposa” o “silla Hardoy”, la silla BKF es llamada así por los tres arquitectos argentinos que la diseñaron (Bonet, Kurchan y Ferrari). La silla está inspirada en “la tripolina”, una silla del siglo XIX comúnmente usada en la campiña inglesa.

La silla consiste en un simple armazón de metal de 12 mm y una cubierta de cuero (ahora diversificada en plástico) que se “engancha” en las cuatro puntas más altas del armazón. Es considerada el diseño argentino más reconocido en el mundo y un icono de los criterios de diseño de ese país, “la síntesis constructiva”.

Después de verla en una exhibición de decoración en Buenos Aires en 1943, Edgar Kaufmann Jr. compró y se llevó dos de estas sillas a los Estados Unidos; una llegó a su casa de fin de semana (la Falling Water de Frank Lloyd Wright) y otra al Museo de Arte Moderno en Nueva York (MoMA), donde él era el curador.

La silla fue descubierta, empezó a producirse en masa en los años 50 y el resto es historia.

    • #BKF
    • #bkf chair
    • #butterfly chair
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    • #modern design
    • #argentina
    • #antonio bonet
    • #juan kurchan
    • #jorge ferrari hardoy
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    • #hardoy chair
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    • #design
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    • #arquitectura
    • #diseño industrial
    • #diseño argentino
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Medianeras - Gustavo Taretto (2011)

Todos los edificios, absolutamente todos, tienen una cara inútil, inservible, que no da al frente ni al contra frente… “la medianera”.

Esta película argentina es una crítica a la ciudad, a sus edificios y la falta total de planificación urbana; a las “cajas de zapatos”. Una crítica que responsabiliza a los arquitectos y empresarios de la construcción de los males de la sociedad; de los divorcios, la violencia familiar, la inseguridad, el estrés, la obesidad y los suicidios.

Está protagonizada por dos personajes solitarios y depresivos que viven en diminutos departamentos, donde el sol esquiva sus ventanas todo el año. Mariana es una arquitecta desempleada que además de su propia historia, nos narra la de un par de edificios de Buenos Aires, como el Planetario Galileo Galilei. Martín es diseñador de sitios web y recluso en su propia casa.

La película también habla sobre el amor y de cómo es casi imposible encontrarlo en la ciudad. Lo explica con una analogía, con un libro: “Where’s Wally?”

¿Si aún cuando sé a quien estoy buscando, no lo puedo encontrar… cómo voy a encontrar al que estoy buscando, si ni siquiera sé cómo es?

Medianeras es una de mis películas favoritas; me siento identificado y es que… la ciudad que habito es totalmente horrible y me deprime. (A veces).

    • #medianeras
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Music with photography - Patti Smith/Robert Mapplethorpe

  1. Horses - Patti Smith fotografiada por Mapplethorpe (1975)
  2. Robert Mapplethorpe y Patti Smith por Norman Seeff (1970)
  3. Flower (Peony) - Robert Mapplethorpe (1984)

A Patti Smith la conocemos como poetiza y cantante, una figura fundamental de la escena “punk” de los años setenta; pero es su historia con Robert Mapplethorpe la que es igual de fascinante. El romance y amistad de estos dos personajes empezó, como toda gran leyenda del rock, en la pobreza.

Estos dos “marginados” se encontraron y encontraron su lugar en el mundo en la única ciudad posible, en Nueva York. Vivieron la bohemia; sufrieron por encontrar refugio y comida y sacrificaron todo con el único propósito de hacer arte. Con el tiempo, los dos alcanzarían el éxito, ella en la música y él con sus fotografías en blanco y negro de desnudos, iconos de la escena gay, actos S&M… y flores.

Desde los años sesenta y hasta la muerte de él en 1989, fueron almas gemelas e inmortalizaron su amistad en fotografías como aquellas en el Hotel Chelsea, tomadas por Norman Seeff. Pero quizá su mejor colaboración fue la fotografía que él tomó de ella, para la portada de Horses, en 1975.

Patti Smith y Robert Mapplethorpe, una amistad mítica.

    • #patti smith
    • #robert mapplethorpe
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Galliano’s glorious reign - Harper’s Bazaar (Marzo 2007)

Una pieza de Haute Couture es una prenda hecha a mano y a la medida; son diseños que emplean materiales de alta calidad que requieren técnicas de costura precisas, las que incrementan el tiempo de trabajo, la mano de obra y por tanto, el costo. Es una forma de arte, donde no es suficiente comprar y usar las prendas, hay que realmente apreciar cómo están hechas.

La “alta costura”, como podría traducirse, forma parte de la cultura francesa, es considerado un arte y está protegido por la ley para que no desaparezca. Una marca solo puede ser llamada Haute Couture si está establecida en París.

Por 15 años, desde 1997, John Galliano reinó en Christian Dior y marcó una era llena de excesos; fue el rey de la “alta costura” hasta su dramática suspensión en 2011. En 2007, para celebrar su décimo aniversario en Dior, Harper’s Bazaar presentó una serie de fotografías que mostraba 20 creaciones de las 20 colecciones Haute Couture que había hecho hasta entonces.

Fue fotografiado por Simon Procter que se basó en una pintura del renacimiento llamada “La batalla de San Romano”, de Paolo Uccello. Es una enorme producción que tomó más de seis meses y casi medio millón de dólares realizar. La sesión muestra algunas de sus creaciones más icónicas como la “Cleopatra amarilla” de su colección HC S/S 2004.

A John Galliano lo había subestimado por mucho tiempo, me parecía demasiado exagerado. Hoy reconozco que es un genio… un artista.

    • #john galliano
    • #haute couture
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Glass House - Arq. Philip Johnson (1949)

  1. Philip Johnson fotografiado por Annie Leibovitz (2000)
  2. Andy Warhol y Johnson fotografiados por David McCabe (1964)

Es bien sabido que la Glass House es una “variación” de la Farnsworth House, de Mies van der Rohe; las dos rompen la barrera visual entre el interior y el exterior, gracias al predominante uso del cristal. Philip Johnson diseñó la casa para él mismo y vivió casi 60 años en ella; se refería a la vista hacia los árboles como “un papel tapiz muy costoso”. 

La casa mide apenas 17 metros de largo por 10 de ancho y 3 de altura, pero en realidad, forma parte de un conjunto de casi 200 000 m2 que incluye una casa de huéspedes, un par de galerías, pabellones y jardines. Se convirtió, casi desde su construcción en 1949, en un icono de la arquitectura moderna… pero siempre, inferior y bajo la sombra de la Farnsworth House.

Johnson vivió aquí con su pareja, David Whitney, un critico de arte cercano a Andy Warhol. La Glass House era una especie de refugio de estilo moderno, donde Philip Johnson vivía plenamente su homosexualidad pero ocultándola del exterior… con cristal. Una paradoja.

Philip Johnson murió en la Glass House a los 98 años.

    • #philip johnson
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    • #arquitectura
    • #arquitectura moderna
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  • 1 month ago
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Arco Lamp - Achille y Pier Castiglioni (Italia, 1962)
Esta lámpara diseñada por los hermanos Castiglioni, es tan icónica como atemporal. Fue pensada para iluminar una mesa de comedor, como respuesta a un problema que ellos creían era general; no todas las mesas están en el centro de la habitación y se necesita, entonces, una lámpara que no esté fija al techo, que pueda ser “movida” pero que siga iluminando desde arriba.
¡Un arco! (Las luminarias del alumbrado público fueron su inspiración).
La base de la lámpara es de mármol de Carrara, el mismo que usaron los romanos en “El panteón” hace dos mil años y Miguel Ángel para hacer el ”David”, en el Renacimiento. La base de 74 kg también le da balance y estabilidad al arco.
¿Pero cómo mover una lámpara de semejante peso? El hoyo en la base existe para que una persona pueda empujarla introduciendo un simple palo de escoba. ¡El diseño es tan simple, que es perfecto!
Y así, por 50 años, la “arco” ha sido objeto de deseo de cualquiera interesado en el diseño (una de cada diez casas Italianas lo confirma).
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Arco Lamp - Achille y Pier Castiglioni (Italia, 1962)

Esta lámpara diseñada por los hermanos Castiglioni, es tan icónica como atemporal. Fue pensada para iluminar una mesa de comedor, como respuesta a un problema que ellos creían era general; no todas las mesas están en el centro de la habitación y se necesita, entonces, una lámpara que no esté fija al techo, que pueda ser “movida” pero que siga iluminando desde arriba.

¡Un arco! (Las luminarias del alumbrado público fueron su inspiración).

La base de la lámpara es de mármol de Carrara, el mismo que usaron los romanos en “El panteón” hace dos mil años y Miguel Ángel para hacer el ”David”, en el Renacimiento. La base de 74 kg también le da balance y estabilidad al arco.

¿Pero cómo mover una lámpara de semejante peso? El hoyo en la base existe para que una persona pueda empujarla introduciendo un simple palo de escoba. ¡El diseño es tan simple, que es perfecto!

Y así, por 50 años, la “arco” ha sido objeto de deseo de cualquiera interesado en el diseño (una de cada diez casas Italianas lo confirma).

    • #arco lamp
    • #achille castiglioni
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alberto camacho

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Estudiante de Arquitectura en México. Amo la moda, pero amo más la arquitectura. OBSERVAR es mi pasión.

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